Professional Excellence in Meaningful Music in Healthcare (ProMiMiC) is het onderzoeksproject (2019-2023) naar persoonsgericht musiceren voor ziekenhuispatiënten en hun verpleegkundigen. In het onderzoek is de interprofessionele samenwerking tussen musici en verpleegkundigen onderzocht en is gekeken naar hoe persoonsgerichte (live) muziek kan worden ingezet als katalysator voor een compassievolle patiëntrelatie. Ook zijn modules voor onderwijs en professional development van musici en zorgprofessionals ontwikkeld. Het ProMiMiC consortium bestaat uit muziek- en ziekenhuiszorgpartners uit Groningen (met Hanzehogeschool als penvoerder), Den Haag, Wenen en Londen.
LINK
AI tools increasingly shape how we discover, make and experience music. While these tools can have the potential to empower creativity, they may fundamentally redefine relationships between stakeholders, to the benefit of some and the detriment of others. In this position paper, we argue that these tools will fundamentally reshape our music culture, with profound effects (for better and for worse) on creators, consumers and the commercial enterprises that often connect them. By paying careful attention to emerging Music AI technologies and developments in other creative domains and understanding the implications, people working in this space could decrease the possible negative impacts on the practice, consumption and meaning of music. Given that many of these technologies are already available, there is some urgency in conducting analyses of these technologies now. It is important that people developing and working with these tools address these issues now to help guide their evolution to be equitable and empower creativity. We identify some potential risks and opportunities associated with existing and forthcoming AI tools for music, though more work is needed to identify concrete actions which leverage the opportunities while mitigating risks.
MULTIFILE
The present study attempts to explore the field of creative music workshops with the elderly. A growing amount of research has been carried out into running (creative) workshops, and besides we know a lot about the elderly and ageing. The aim of this research is to gather knowledge on the merging of both subjects, creative music workshops with the elderly in the so-called ‘fourth age’. In particular, this research project has been carried out as a study of a potential professional field for musicians and music educators. For this reason the research objective is focused on the position of the workshop leader and what is needed to run creative music workshops with elderly in residential homes for the elderly successfully. We therefore aim to explore aspects connected to this practice such as entrepreneurship, musicianship and leadership.
DOCUMENT
In leaving the more traditional territories of the concert performance for broader societal contexts, professional musicians increasingly devise music in closer collaboration with their audience rather than present it on a stage. Although the interest for such forms of devising co-creative musicking within the (elderly) health care sector is growing, the work can be considered relatively new. In terms of research, multiple studies have sought to understand the impact of such work on musicians and participants, however little is known about what underpins the musicians’ actions in these settings. With this study, I sought to address this gap by investigating professional musicians’ emerging practices when devising co-creative musicking with elderly people. Three broad concepts were used as a theoretical background to the study: Theory of Practice, co-creative musicking, and Praxialism. Firstly, I used Theory of Practice to help understand the nature of emerging practices in a wider context of change in the field of music and habitus of musicians and participants. Theory of Practice enabled me to consider a practice as “a routinized type of behaviour which consists of several elements, interconnected to one another: forms of bodily activities, forms of mental activities, ‘things’ and their use, a background knowledge in the form of understanding, know-how, states of emotion, and motivational knowledge” (Reckwitz, 2002, p. 249). Secondly, I drew the knowledge from co-creative musicking, which is a concept I gathered from two existing concepts: co-creation and musicking. Musicking (Small, 1998), which considers music as something we do (including any mode of engagement with music), provided a holistic and inclusive way of looking at participation in music-making. The co-creation paradigm encompasses a view on enterprise that consists of bringing together parties to jointly create an outcome that is meaningful to all (Prahalad & Ramaswamy, 2004; Ramaswamy & Ozcan, 2014). The concept served as a lens to specify the jointness of the musicking and challenge issues of power in the engagement of participants in the creative-productive process. Thirdly, Praxialism considers musicking as an activity that encompasses “musical doers, musical doing, something done and contexts in which the former take place” (Elliott, 1995). Praxialism sets out a vision on music that goes beyond the musical work and includes the meanings and values of those involved (Silverman, Davis & Elliott, 2014). The concept allowed me to examine the work and emerging relationships as a result of devising co-creative musicking from an ethical perspective. Given the subject’s relative newness and rather unexplored status, I examined existing work empirically through an ethnographic approach (Hammersley & Atkinson, 2007). Four cases were selected where data was gathered through episodic interviewing (Flick, 2009) and participant observation. Elements of a constructivist Grounded Theory (Charmaz, 2014) were used for performing an abductive analysis. The analysis included initial coding, focused coding, the use of sensitizing concepts (Blumer 1969 in Hammersley, 2013) and memoing. I wrote a thick description (Geertz, 1973) for each case portraying the work from my personal experience. The descriptions are included in the dissertation as one separate chapter and foreshadow the exposition of the analysis in a next chapter. In-depth study of the creative-productive processes of the cases showed the involvement of multiple co-creative elements, such as a dialogical interaction between musicians and audience. However, participants’ contributions were often adopted implicitly, through the musicians interpreting behaviour and situations. This created a particular power dynamic and challenges as to what extent the negotiation can be considered co-creative. The implicitness of ‘making use’ of another person’s behaviour with the other not (always) being aware of this also triggered an ethical perspective, especially because some of the cases involved participants that were vulnerable. The imbalance in power made me examine the relationship that emerges between musicians and participants. As a result of a closer contact in the co-creative negotiation, I witnessed a contact of a highly personal, sometimes intimate, nature. I recognized elements of two types of connections. One type could be called ‘humanistic’, as a friendship in which there is reciprocal care and interest for the other. The other could be seen as ‘functional’, which means that the relationship is used as a resource for providing input for the creative musicking process. From this angle, I have compared the relationship with that of a relationship of an artist with a muse. After having examined the co-creative and relational sides of the interaction in the four cases, I tuned in to the musicians’ contribution to these processes and relationships. I discovered that their devising in practice consisted of a continuous double balancing act on two axes: one axis considers the other and oneself as its two ends. Another axis concerns the preparedness and unpredictability at its ends. Situated at the intersection of the two axes are the musicians’ intentionality, which is fed by their intentions, values and ethics. The implicitness of the co-creation, the two-sided relationship, the potential vulnerability of participants, and the musicians’ freedom in navigating and negotiation, together, make the devising of co-creative musicking with elderly people an activity that involves ethical challenges that are centred around a tension between prioritizing doing good for the other, associated with a eudaimonic intention, and prioritizing values of the musical art form, resembling a musicianist intention. The results therefore call for a musicianship that involves acting reflectively from an ethical perspective.
DOCUMENT
Mijn stelling is dat normatieve professionalisering, in ons geval de professionalisering van leraren, een vorm is van levensbeschouwelijke vorming. Dat geldt zowel voor de professionalisering in de initiële opleidingen als voor de voortgaande ontwikkeling als professional in het onderwijs. Ik ga daarbij uit van een brede opvatting van levensbeschouwelijke vorming, waarbij het bij levensbeschouwing in een variant op de definitie van Brümmer, gaat om: ‘het totale complex van normen, idealen en eschatologische verwachtingen in het licht waarvan iemand zijn levenshouding richt en beoordeelt; een complex dat in zekere mate innerlijke consistentie vertoont en dat in zekere mate wordt geïntegreerd door eengrondovertuiging die eraan ten grondslag ligt’ (variant op Brümmer, 1975, 131-132) Bij een levensbeschouwing hoeft het in deze opvatting niet per se en primair te gaan om een gearticuleerde levensvisie, geworteld in een seculiere of religieuze traditie. Dat kan wel, maar hoeft niet en moet al helemaal niet als vanzelfsprekend worden voorondersteld. In het verlengde daarvan gaat het bij vorming dan ook om meer dan socialisatie en enculturatie. Het is de relatie tussen de begrippen Levensbeschouwelijke vorming, en hun relatie tot normatieve professionalisering, waar het in deze rede over gaat. Het verbinden van Levensbeschouwelijke vorming en Normatieve professionalisering, waarbij de laatste een concretisering van de eerste is, ervaar ik als een spannende onderneming en voor het opleiden van leraren staat er daarmee ook veel op het spel. Ik wil in deze openbare les deze verbinding graag nader verkennen.
DOCUMENT
Musici ontwikkelen steeds vaker projecten voor de gezondheidszorg. In dit artikel analyseert Karolien Dons hoe ze precies vorm geven aan deze participatieve muziekpraktijken. Ze verkent daarbij de nieuwe rollen die musici innemen en hun manieren om daadwerkelijk tot co-creatie te komen met patiënten en zorgmedewerkers.
DOCUMENT
Decennialang hebben onderzoekers uitgezocht hoe je een expert wordt. De vragen hierbij waren hoe je een briljante natuurkundige wordt, de alleswetende advocaat, de financieel specialist die snel en accuraat data analyseert, of de chef-kok die sublieme gerechten maakt. De laatste jaren buigen mensen zich echter steeds meer over de vraag hoe je een expert blijft, want wat je moet weten en kunnen, verandert voortdurend. Hoe word je een flexibele expert, iemand die zichzelf steeds weer weet te vernieuwen? Dit behelst een proces van continu aanpassen in een omgeving die experts een voedingsbodem en vangnet biedt om flexibel te kunnen en willen zijn. Dan krijg je flexperts die steeds weer nieuwe expertise ontwikkelen binnen en buiten hun oorspronkelijke vakgebied en dit van waarde maken voor anderen en voor zichzelf. Deze ‘flexpertise’ maakt de loopbanen van experts duurzaam. In dit artikel leggen we uit wat iemand tot een (fl)expert maakt en geven we tien tips voor het ontwikkelen van flexpertise.
DOCUMENT
In het Utrechts Archief is er een zaal waarin een film wordt vertoond van het straatleven aan het begin van de vorige eeuw. Als bezoeker word je bij binnenkomst gescand en vervolgens geprojecteerd in de filmbeelden. In het fotomuseum kunnen bezoekers middels fysieke hendels de selectie manipuleren van de 80.000 digitale fotos uit de collectie. Het Rijksmuseum biedt via een zogenaamde widget de mogelijkheid iedere dag een ander kunstwerk op je desktop te hebben. In TwentseWelle is een digitaal panorama gebouwd waar je als bezoeker middenin staat, kijkend naar een landschap vanuit het perspectief van opgejaagd wild. Stuk voor stuk zijn dit voorbeelden waarin nieuwe technologie en nieuwe media worden ingezet om het publiek te bedienen in hun interesse voor cultuur en kennis. In die zin zijn ze exemplarisch voor de ontwikkeling waarin technologie en nieuwe media door cultureel erfgoed instellingen worden ingezet om een belangrijke taakstelling in te vullen, namelijk die van cultuur- en kennisoverdracht naar het publiek.
DOCUMENT
Het lectoraat Lifelong Learning in Music wil een bijdrage leveren aan de ontwikkeling van musici tot lerende, onderzoekende en ondernemende professionals die midden in de samenleving staan. Het lectoraat doet dat door de verschillende rollen die musici kunnen vervullen en de ontwikkeling van hun leiderschap te onderzoeken in relatie tot hun levenslange persoonlijke, artistieke en professionele ontwikkeling. Centraal staat daarbij de vraag wat het betekent voor musici om, op grond van een fundamenteel begrip van de verschillende culturele en sociale contexten waarbinnen zij werken, innovatieve praktijken met nieuw publiek vorm te geven. Het lectoraat Lifelong Learning in Music is verbonden aan het Prins Claus Conservatorium en onderdeel van het kenniscentrum Kunst en Samenleving van de Hanzehogeschool Groningen. Lifelong learning kan kort omschreven worden als het vermogen (van musici) om adaptief en proactief te reageren op veranderingen in de samenleving, ‘transforming experience into knowledge, skills, attitudes, values, emotions, beliefs and the senses’ (Jarvis 2002, 60). Het doel om innovatieve praktijken te ontwikkelen vindt zijn beslag in een grote onderzoekslijn van het lectoraat, Healthy Ageing through Music & the Arts. Voorbeelden van projecten die besproken worden: Parkinsong: singing in patients with Parkinson’s disease. Muziek en Delier Muziek en dementie.
DOCUMENT
Students in Higher Music Education (HME) are not facilitated to develop both their artistic and academic musical competences. Conservatoires (professional education, or ‘HBO’) traditionally foster the development of musical craftsmanship, while university musicology departments (academic education, or ‘WO’) promote broader perspectives on music’s place in society. All the while, music professionals are increasingly required to combine musical and scholarly knowledge. Indeed, musicianship is more than performance, and musicology more than reflection—a robust musical practice requires people who are versed in both domains. It’s time our education mirrors this blended profession. This proposal entails collaborative projects between a conservatory and a university in two cities where musical performance and musicology equally thrive: Amsterdam (Conservatory and University of Amsterdam) and Utrecht (HKU Utrechts Conservatorium and Utrecht University). Each project will pilot a joint program of study, combining existing modules with newly developed ones. The feasibility of joint degrees will be explored: a combined bachelor’s degree in Amsterdam; and a combined master’s degree in Utrecht. The full innovation process will be translated to a transferable infrastructural model. For 125 students it will fuse praxis-based musical knowledge and skills, practice-led research and academic training. Beyond this, the partners will also use the Comenius funds as a springboard for collaboration between the two cities to enrich their respective BA and MA programs. In the end, the programme will diversify the educational possibilities for students of music in the Netherlands, and thereby increase their professional opportunities in today’s job market.
